Teatro para uno: “A quién vamos a querer provocar en un mundo donde casi todo está permitido”

Teatro para Uno.-Leonardo Medel, autor de las exitosas experiencias en gabinetes del Teatro del Puente, explica que lo suyo tiene que ver con los tiempos, con las formas de comunicarse de ahora y hasta con el mercado.

texto Marietta Santi
Fotos Alejandra Fassi


Primero fue “H2SO4” y ahora es “Loop”. Experiencias que mueven los límites de la convención teatral y que ponen en jaque a un único espectador, que presencia una escena realizada sólo para él en una cabina. Leonardo Medel, egresado de la Escuela de Cine Chile, es el perpetrador de esta idea y quien cuenta el porqué de esta iniciativa. “Si usted usa twitter, vio un mash-up, le gustan los mash-ups, usa tumblr, facebook y se envía videos de 4 minutos con sus amigos, vaya a ver “Loop”, es lo mismo pero mas potente”, dice, quien ha hecho video clips, stop motion y prepara una serie para redes sociales.

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Héctor Morales: “No ha cambiado mi percepción sobre el héroe”

Entrevista a Héctor MoralesAsí habla quien fuera protagonista de “Prat” (2002), obra que causó una polémica inesperada por sus jóvenes autores. Hoy, ellos forman la exitosa compañía Teatro de Chile, y se dan el gusto de revisitar aquella pieza en “Arturo”.

Marietta Santi

 

En 2002, un grupo de estudiantes de teatro de la Universidad de Chile escandalizaron a medio mundo con “Prat”, un proyecto que mostraba al héroe adolescente y frágil. Pero su mirada triunfó. Hoy son reconocidos como una de las compañías jóvenes más talentosas y visionarias del panorama teatral, y han seguido su búsqueda con íconos universales como Juana de Arco y el mismo Cristo.

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Ítalo Tai: “Descubrir de dónde venimos es un tesoro enorme”

ITALO TAI“Reche, los Caciques Retornan”, impactó el año pasado con una visión profunda de los mitos del pueblo mapuche. En julio se presentará en Matucana 100, junto a un diario que recoge el proceso que vivió el Colectivo Catedral en el sur.

Marietta Santi

“Reche, los Caciques Retornan”, del Colectivo Catedral y dirigido por Ítalo Tai, es una experiencia profunda. Fruto de una investigación en terreno, en una sureña comunidad mapuche, remece al espectador de manera inexplicable al rescatar la mitología mapuche y traerla a nuestros escenarios. Cuando uno ve Reche, reconoce algo propio en ese mundo sonoro, en esas imágenes.

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Felipe Arellano: “Cada texto que escribió Egon Wolff resuena después de un rato”

Hace dos años que egresó de la universidad y ahora está en el Teatro del Puente dirigiendo una obra de Wolff. Acá cuenta por qué se arriesgó con este tremendo desafío.

Marietta Santi

Tras una Puerta CerradaCuesta pensar que un tipo tan joven, de edad y de apariencia, se atreva a pedirle un texto nada menos que a Egon Wolff, uno de nuestros créditos vivos de la dramaturgia, autor de piezas tan emblemáticas como “La Balsa de la Medusa” o “Flores de Papel”.  

Pero así fue. Felipe Arellano, egresado de la U de Chile recién en 2008, se lanzó y puso en escena “Tras una Puerta Cerrada”, uno de los últimos textos de Wolff. Una obra de texto, que toca tema tan trascendentes como la muerte, la ética de vida, la culpa y la angustia vital. Problemáticas inimaginables en manos de un director cuyos compañeros de generación hablan de otras cosas, y menos de uno cuya llegada al teatro fue accidental: “Un día una profesora me dijo que los que iban al taller de teatro, les pondrían un siete en lenguaje y comunicación. Eso fue mi aliciente para entrar a teatro, y ahí me quedé, hasta hoy”.

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Simón Silva: “Me gustaría que el espectador apreciara un trocito de su alma”

En “La Muerte de Pandu”, la compañía Dies Irae intenta traspasar mucho más que un texto dramático. Hay un proceso espiritual que queda en evidencia.
“La Muerte de Pandu”, dirigida por Simón Silva, es un espectáculo que apunta a la sensibilidad más completa del espectador. Estructurado como una fábula, que en realidad es un una adaptación del Mahabharata, libro sagrado que reúne la gran epopeya mitológica de la India, y narrado con texto, danzas indias y trabajo físico marcial también de ese origen, se convierte en una experiencia única en la cartelera. La compañía es Dies Irae y hasta el 14 de abril estará en Lastarria 90. Es Simón, de 29 años, quien habla de esta particular propuesta.
Háblame de la compañía. ¿Cuáles son los objetivos que la mueven, respondiendo a qué necesidad se forma?
Nuestra Compañía de teatro nace en 2004, con la condición de ser un grupo experimental. Así, la investigación que hemos realizado durante los seis montajes, radica en el estudio de la imagen y su formalización estética, vinculando las posibilidades del cuerpo humano como herramienta preponderante de la puesta en escena. Nos definimos también como gente de teatro y tomamos los costos que esto trae. En las escuelas de teatro, por ejemplo, enseñan diversas técnicas actorales, vocales y corporales pero no a llevar una vida teatral en un sistema social y económico donde el arte queda relegado a una espera. Es por ello que los actores hacen de todo menos teatro, porque siente que no están las condiciones para cultivar el oficio teatral y lo abandonan. Por eso es muy difícil encontrar montajes que no sean mediáticos y muy fácil hallar obras de bajo presupuesto espiritual.
¿Después de qué proceso llegan  a La Muerte de Pandu?
En procesos de hondos cuestionamientos internos y en el Mahabharata al parecer están nuestras inquietudes. No tenemos la capacidad de entregar discursos a la gente ni menos una verdad absoluta, sólo intentamos compartir nuestros errores tan profundamente humanos, como la fragilidad a la cual estamos expuestos diariamente. Técnicamente, el proceso ha sido buscar a través de los años, imágenes de alto valor estético, abocándonos en el rito, en lo sagrado y en la disciplina teatral.
¿Por qué abordar un tema de otra cultura que precisa conocimiento intelectual y físico?
En primer orden para provocar un enlace artístico entre dos culturas geográficas y espiritualmente lejanas. Así, acercamos -pretenciosamente- un texto clásico de la India por primera vez a nuestro País. Segundo, lograr ser transportadores de códigos particulares en la percepción del espectador occidental. El teatro no es un texto literario, sino toda la creación que aparece en un espacio vacío, a partir de la profunda humanidad de los intérpretes.
¿Cómo se prepararon para montar la obra? (tanto intelectual como físicamente)
Esto tiene plena relación con la pregunta uno.  El tiempo de entrenamiento fue un año, siguiendo estrictas dietas alimenticias y un trabajo físico compuesto de yoga, kalaripayattu, utilización de armas y danza, en el más alto caso de seis horas diarias, los intérpretes mes a mes iban mostrando sus evoluciones, sus dolores, sus retrocesos, sus cuestionamientos. Los actores, comenzaron a trasladarse en bicicletas desde sus hogares al lugar de ensayo a caminar kilómetros descalzos para sentir la temperatura de la tierra. A desarrollar una fe. El texto llegó en los últimos cuatro meses del proceso, asumiéndolo el actor como una autointerpretación para desencadenar en una transfiguración. Diálogos que se producían en parques, salas oscuras, en largas escaleras, bajo la lluvia, enfrentándose a un espejo, etc.  Pero no puedo dejar pasar la visión que obtuvimos del cosmos y nuestro rol en él. De la obligación que tenemos de tranquilizar nuestra alma. Sacar todo aquello que la dañe, ya que no nos pertenece. Nuestra vida es solo un paso a la perfección.
¿Fue muy complicado que los actores se sumergieran en una tradición corporal tan distinta a la occidental? ¿Cuáles fueron los principales problemas?
Acostumbrados a un teatro basado en el diálogo como principal fuente creadora, los actores necesitaban la historia para que sus ejercicios físicos cobraran sentido, quizás eso fue una problemática dentro del proceso. Otro problema es concientizar la limpieza del movimiento, y el reconocimiento de la fragmentación de la energía en cada gesto. Tomando un ejemplo: Las actrices hacen una coreografía con los ojos vendados donde no ven absolutamente nada, el nivel de conexión, concentración y ritmo que deben tener es fundamental para que la imagen no fracase y produzca un impacto gravitante en el espectador. Una imagen que no olvide fácilmente.
¿Qué te gustaría que apreciara el público que ve la obra?
Un trocito de su alma, que el receptor se enfrente con su propia espiritualidad, escapando de la generalidad que nos invade. Vivimos en un mundo donde estamos involucrados fuertemente por lo externo, lo que hace perder los cimientos de nuestro templo interno, la particularidad. No digo que eliminemos todo lo que nos llega, sino tener la capacidad de filtrar. El público además, que aprecie la artesanía del actor en su trabajo, es algo que no lo puede hacer cualquiera persona. Yo no puedo construir un edificio, no puedo defender en un juicio ni menos sanar a una persona, solo puedo actuar y esto tiene mi más agudo respeto.
La puesta en escena se sostiene en los intérpretes. ¿Esta simplicidad es una opción estética?
El teatro tiene un rol autónomo, como la música. El espectador podrá ver el entorno real que rodea el espacio escénico. Tiene un interés estético absolutamente, son fotografías que formamos en cada cuadro. El actor no dispone de camerinos para cambiar de apariencia, toda la maquinaria teatral está ante los ojos del espectador. Esto es a lo que apostamos fuertemente.
“La Muerte de Pandu”
Autor(a):
Adaptación del Mahabharata: Simón Silva
Director(a): Simón Silva
Elenco: Paulina Escalona, Arellys Espinosa, Deissy Hidalgo, Alondra Cid, Aníbal Peña y Mariano Jiménez
Escenografía: Javier Alvarado
Vestuario:Carmen Gloria Cuello
Diseño: Macarena Escalona
Música: Martín Farías
Hasta el 14 de abril
Jueves a Domingo, 21:30 hrs.
General $3.000; Estudiantes y tercera edad $2.000; Jueves Populares $2.000
Reservas: (09) 91284809, (09) 98840890
la muerte de panduEn “La Muerte de Pandu”, la compañía Dies Irae intenta traspasar mucho más que un texto dramático. Hay un proceso espiritual que queda en evidencia.
“La Muerte de Pandu”, dirigida por Simón Silva, es un espectáculo que apunta a la sensibilidad más completa del espectador. Estructurado como una fábula, que en realidad es un una adaptación del Mahabharata, libro sagrado que reúne la gran epopeya mitológica de la India, y narrado con texto, danzas indias y trabajo físico marcial también de ese origen, se convierte en una experiencia única en la cartelera. La compañía es Dies Irae y hasta el 14 de abril estará en Lastarria 90. Es Simón, de 29 años, quien habla de esta particular propuesta.
Háblame de la compañía. ¿Cuáles son los objetivos que la mueven, respondiendo a qué necesidad se forma?
Nuestra Compañía de teatro nace en 2004, con la condición de ser un grupo experimental. Así, la investigación que hemos realizado durante los seis montajes, radica en el estudio de la imagen y su formalización estética, vinculando las posibilidades del cuerpo humano como herramienta preponderante de la puesta en escena. Nos definimos también como gente de teatro y tomamos los costos que esto trae. En las escuelas de teatro, por ejemplo, enseñan diversas técnicas actorales, vocales y corporales pero no a llevar una vida teatral en un sistema social y económico donde el arte queda relegado a una espera. Es por ello que los actores hacen de todo menos teatro, porque siente que no están las condiciones para cultivar el oficio teatral y lo abandonan. Por eso es muy difícil encontrar montajes que no sean mediáticos y muy fácil hallar obras de bajo presupuesto espiritual.

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Daniel Veronese: un argentino de primera en Santiago a Mil

Hablar de Daniel Veronese (1950), actor, director, dramaturgo y titiritero argentino, es hablar de uno de los nombres que ha remecido la escena teatral del país allende los Andes, en los últimos 20 años. En 1989 fundó  El Teatro Periférico de Objetos como forma de oponerse a la tendencia realista imperante en Buenos Aires, ha escrito una veintena de obras de teatro, hecho un buen número de reescrituras de textos clásicos y dirigido obras en el circuito comercial con mucho éxito, como “Gorda”, “El método Gronholm” y “La Forma de las Cosas”.
Su nombre es sinónimo de éxito, de buen teatro y de una mirada diferente, que no necesita de más artilugios que el texto y buenos actores.
A  Santiago a Mil trae tres productos de una de sus vertientes de trabajo más aplaudidas: “Espía a una Mujer que se Mata”, versión para El Tío Vania, de Chéjov;  “Todos los Grandes Gobiernos han Evitado el Teatro Íntimo”, versión de “Hedda Gabler”, de Ibsen; y “El Desarrollo de la Civilización Venidera”, versión para “Casa de Muñecas”, del mismo autor sueco.
En Chile ya vimos su reescritura para Las Tres Hermanas, de Chéjov,  llamada “Un Hombre que se Ahoga”, donde las protagonistas estaban encarnadas por hombres y la puesta era mostrada como un ensayo.  Lo suyo no es desarmar las obras clásicas sino que re-visitarlas desde el presente. Para eso respeta la estructura dramática pero sintetiza la acción, eliminando personajes secundarios, por ejemplo, lo que aliviana la trama. Los argentinos lo llaman “el alquimista”, porque “sobrescribe en estos textos su teoría teatral, entremezcla líneas ajenas y propias”
José María Muscari, joven (33) dramaturgo y director argentino, autor de piezas tan alabadas como “Escoria”, “En La Cama” o “Fuego entre Mujeres”, piensa que Veronese “hace un aporte único a la escena alternativa de teatro en Buenos Aires,
sus espectáculos y sus textos son de una singularidad y una poética subyugante.
Soy un gran admirador de su teatro y creo que su grupo de actores, desde los míticos hasta los actuales, son actores entregados a la labor de actuar un "Veronese" cosa que tiene un valor fundamental”.
Agrega que las reescrituras del creador del Periférico de Objetos son esperadas con ansias, “por mí y por muchos espectadores que saben disfrutar del buen y singular teatro que él nos ofrece”.
Hedda y Nora:
Sobre la reescritura de clásicos, Daniel Veronese ha dicho que le intriga saber “por qué algunas obras se convierten el clásicos”, y que la reescritura nace del deseo de “acomodar estos textos, escritos en otro tiempo, a la sociedad moderna”.
“Todos los Grandes Gobiernos han Evitado el Teatro Íntimo” y “El Desarrollo de la Civilización Venidera”, estrenadas en 2009 en Buenos Aires, fueron pensadas como obras continuas por el argentino. Usan la misma escenografía y el marido de las protagonistas en ambos casos se llama Jorge. Claro que hay cambios, como que en el segundo título el médico enamorado de Nora es una mujer, no un hombre, lo que da otro sentido a la oposición mujer que quiere ser libre versus hombre violento y dominante.
Sobre las protagonistas de ambas obras, Veronese ha dicho que “todavía a Hedda Gabler no la puedo aprehender, porque es una obra mucho más oscura que Casa de muñecas. Hedda es de un realismo basado en lo psicológico del personaje que se me hace casi incomprensible. Lo interesante es que está tan bien construida que da gusto. Diría que a Hedda le he quitado lo críptico y a Casa de Muñecas lo más social, lo más dogmático, lo que está más fuera de su tiempo. Lo que queda en común es mi mirada sobre los dos trabajos, mi sello dramatúrgico y lo actoral. Yo utilizo a Chejov como a Ibsen para hacer mi teatro”.
Ambas puestas obtuvieron muy buenas críticas de la prensa argentina. La Nación calificó las obras de Muy Buenas, y Crítica recomendó ver ambas obras, con estas palabras: “Quitando personajes secundarios y transformando al resto (el doctor Rank se convierte aquí en doctora y la tía Julia fue excluida de la puesta, entre otros ejemplos que sólo distinguirá quien tenga, frescas en la cabeza, las versiones originales), Veronese extrajo lo más importante de cada obra: extrajo, podría decirse, el conflicto concentrado. Y aunque funcionan como piezas separadas, El desarrollo de la civilización venidera y Todos los grandes gobiernos han evitado el teatro íntimo –más potente y acabada la primera que la segunda– se tocan y se complementan, por lo que vale la pena el intento de ver los dos trabajos: quien vea primero la reinterpretación de Casa de muñecas y luego a la Hedda Gabler moderna notará que las obras dialogan entre sí gracias a la imaginación de Ibsen, primero, y como consecuencia de la relectura de Veronese”.
“EL DESARROLLO DE LA CIVILIZACIÓN VENIDERA”
Dirección: Daniel Veronese
Dramaturgia: Basado en “Casa de muñecas”, de Henrik Ibsen, por Daniel Veronese.
Elenco: HELMER es Carlos Portaluppi; NORA es María Figueras; LA DOCTORA RANK es Ana Garibaldi; CRISTINA es Mara Bestelli; KROGSTAD es Jorge Suárez
:21, 23 y 24 enero
21, 21.00 hrs; 23 y 24, 19.00 hrs.
Teatro Universidad Católica. Sala 2
Con la colaboración de Iberescena.
Precios: $7000 General. $3500 Estudiantes y Tercera Edad
“ESPIA UNA MUJER QUE SE MATA”
Dirección: Daniel Veronese
Dramaturgia: Versión de Tío Vania, de Anton Chéjov, por Daniel Veronese
Elenco: Osmar Núñez (Vania), María Figueras (Sonia), Marcelo Súbito (Ostrov), Fernando Llosa (Serebriakov ), Silvina Sabater (Teleguin ), Marta Lubos (María), Mara Bestelli (Elena)
18, 19, 20 enero
21:00 hrs
Teatro Universidad Católica. Sala 2
$7000 General. $3500 Estudiantes y Tercera
“TODOS LOS GRANDES GOBIERNOS HAN EVITADO EL TEATRO ÍNTIMO”
Dirección: Daniel Veronese
Dramaturgia: Basado en “Hedda Gabler”, de Henrik Ibsen, por Daniel Veronese
Elenco: Claudio Da Passano, Fernando Llosa, Elvira Onetto, Silvina Sabater, Marcelo Subiotto
22, 23 y 24 enero
21:00 hrs.
Teatro Universidad Católica. Sala 2
Con la colaboración de Iberescena.
$7000 General. $3500 Estudiantes y Tercera Edad
daniel veroneseHablar de Daniel Veronese (1950), actor, director, dramaturgo y titiritero argentino, es hablar de uno de los nombres que ha remecido la escena teatral del país allende los Andes, en los últimos 20 años. En 1989 fundó  El Teatro Periférico de Objetos como forma de oponerse a la tendencia realista imperante en Buenos Aires, ha escrito una veintena de obras de teatro, hecho un buen número de reescrituras de textos clásicos y dirigido obras en el circuito comercial con mucho éxito, como “Gorda”, “El método Gronholm” y “La Forma de las Cosas”.

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